Crítica de 'Blue Heron': Sophy Romvari reconstruye los fragmentos de la memoria en un brillante debut sobre la infancia y los vínculos familiares.

La memoria rara vez constituye una radiografía fiel de una realidad pasada; se asemeja más bien a un mapa trazado por distintas manos que delimitan un mismo territorio. Una reconstrucción en la que el relato, lo vivido y lo experimentado se entrelazan para dar forma a cada uno de sus fragmentos.

En Blue Heron, ópera prima de Sophy Romvari, la directora reconstruye su propia infancia en un territorio difuso entre la ficción y la realidad, adoptando el punto de vista de Sasha, una niña de ocho años que funciona como su alter ego. El germen de la película se encuentra en su cortometraje Still Processing (2020), en el que, a través de una caja de fotografías familiares, la cineasta desentierra las fisuras de su memoria y se enfrenta a los vacíos de un pasado que creía conocer.

Desde el comienzo, incluso antes de que aparezca la primera imagen de la película, una Sasha adulta (Amy Zimmer) se dirige a su yo infantil, interpretado por Eylul Guven, para advertirle: «Me cuesta recordar gran parte de mi infancia. Retengo pequeños fragmentos, pero ni siquiera esos recuerdos son del todo fiables». Lejos de funcionar como una disculpa anticipada, invita a abrazar las imágenes como una vía de reconstrucción y exploración, sin pretender alcanzar una versión definitiva de lo sucedido.

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La película nos sitúa entonces en la infancia de Sasha y en la vida de una familia que se traslada desde Hungría a la isla de Vancouver. La adaptación a un nuevo entorno pronto queda relegada por su hermano mayor, Jeremy, cuyo comportamiento y la incomprensión que suscita comienzan a alterar la percepción de la vida familiar. Mientras sus padres tratan de encontrar una solución a una situación que parece escapar de su control y proteger a sus otros tres hijos de sus consecuencias, Sasha observa, desde su mirada infantil, unos acontecimientos que, con el paso del tiempo, tratará de comprender.

Esa falta de certezas acaba trasladándose también al espectador. Mediante una estructura fragmentaria y un montaje marcado por los saltos temporales y las elipsis, la película reproduce el carácter discontinuo del recuerdo y establece un diálogo entre pasado y presente, hasta el punto de hacerlos convivir en una misma escena. Ambas perspectivas no siempre encuentran correspondencia, lo que pone en cuestión la veracidad de lo narrado y evidencia la distancia entre aquello que se recuerda y lo que realmente pudo suceder.

La puesta en escena participa igualmente de ese juego entre percepción y reconstrucción. Lo que en un principio parece una evocación confusa, registrada con una estética cercana a la del vídeo doméstico —como las grabaciones que el padre, interpretado por Ádám Tompa, realiza constantemente de sus hijos—, va adquiriendo otra dimensión a través de una imagen digital más próxima al presente. Este cambio visual introduce una distancia temporal y hace visible el propio proceso de reconstrucción sobre el que se articula la película.

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En determinados momentos, además, los recuerdos que la Sasha adulta intenta completar mediante la narración se entremezclan con su búsqueda de respuestas sobre aquello que desconoce, como sucede en sus conversaciones con la asistenta social que llevó el caso de su hermano. Las fronteras temporales terminan entonces por desdibujarse, hasta el punto de que la Sasha adulta llega a compartir espacio con su yo infantil y recupera los escenarios de aquellas primeras escenas. La superposición de imágenes y la convivencia de ambos cuerpos en un mismo espacio visual materializan así la imposibilidad de distinguir con claridad entre lo recordado, lo reconstruido y aquello que todavía permanece por descubrir.

Así, lo que para ella se convierte en un interrogante sobre lo sucedido en un momento concreto de su vida termina desembocando en un brillante debut en el que la memoria se traslada al propio lenguaje cinematográfico. Romvari se suma así a la lista de directoras que, como Carla Simón o Charlotte Wells, han encontrado en la reconstrucción de la memoria personal una vía para explorar los vínculos familiares y la dificultad de reconciliarse con aquello que permanece incompleto.

Al igual que sucede en Romería (2025) o Aftersun (2022), el relato no se convierte en un ejercicio de frustración ante la imposibilidad de recuperar fielmente lo sucedido. Por el contrario, estas cineastas, como la propia Sophy Romvari, juegan con los límites entre la ficción y la no ficción para reconstruir el pasado a través de las imágenes, aceptando que hay fragmentos que nunca podrán recomponerse del todo.